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El dúo de electropop estrenará  su segundo disco “Taganga” con presentación el próximo 6 de diciembre.

 image003Desde su formación en el 2006 Picnic Kibun,  dúo integrado por Tatsu y Juan Necochea, se ha instalado en los escenarios locales  masificando su catalogo musical en tiempo record y siendo parte como banda sonora de varias series de televisión y películas, como “Transantiaguinos”, “Joven y Alocada”, “Que pena tu boda”, entre otros.  Es así como el 2009 editan su primer larga duración llamado  Fiebre Tagada, una de las sorpresas de la escena nacional ese año y que próximamente tendrá un sucesor  denominado  “Taganga”, disco que ya a mediados de este año mostro un adelanto  con el sencillo que lleva el mismo nombre y que conto con la participación de los productores/DJs, Moustache! (de la banda Astro).

Taganga saldrá bajo el alero de su propio sello Endemika Records y a través de la discográfica  australiana Tuff’em Up! Records,en la producción trabajaron junto a Vicente Sanfuentes (Francisca Valenzuela, Los Monos, Surtek Collective) y la masterización fue realizada por Chalo González. Este álbum  demuestra una madurez de desarrollo y trayecto, junto con el eclecticismo característico de Picnic Kibun. La placa será estrenada en sociedad el próximo jueves 6 de diciembre con una presentación que incluirá invitados de lujo y una increíble fiesta  de la marca Wyborowa .

 

Picnic Kibun , lanzamiento nuevo disco “Taganga”  – jueves 6 de diciembre

Fiesta post show: dj set Vicente Sanfuentes + Fernanda Arrau + Invitados.

$3000 preventa en www.amanda.cl y $5000 gral. En puerta

 

Jueves 6 de diciembre – Club social y recreativo del ritmo 

Dirección:Embajador Doussinague 1767, Local 0027D. Cobres de Vitacura / Ex Multicine

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Hace menos de una semana se estrenó “Miguel, San Miguel”, la nueva película de Matías Acuña, que retrata el inicio de Los Prisioneros desde la historia de su baterista Miguel Tapia, la cinta trae a la memoria  los más grandes éxitos de esta importante banda nacional que contestatarios, polémicos o no, lograron que su música prevalecería y transcendiera de forma transversal en la cultura popular de nuestro país, de su discografía, hoy recordamos el álbum que los archivaría en el gran libro de la música chilena: Pateando Piedras

 

 

Los Prisioneros, un hito, pero francamente es una banda que personalmente nunca me gustó demasiado, sin embargo, el tiempo e historia les dio el honor de prevalecer. Hoy tengo sus discos y al escucharlos de vez en cuando, me hace sentir afortunado el hecho de que pude vivir y ser testigo del gran éxito de este trío de San Miguel.

Este hecho no puede pasar desadvertido cuando pienso en que actualmente se habla del gran legado de la banda haciendo una constante alusión a las polémicas de su rompimiento, olvidando que durante años previos, las polémicas no fueron necesariamente trascendentales en su desarrollo, algunos detalles importantes quedaron en el pasado, refresquemos la memoria.

En los ochenta hablar de Los Prisioneros no era fácil, era más bien una declaración casi política, debido al tenso escenario que se vivía sobretodo en el contexto cultural, el grupo circulaba por el inconsciente de los capitalinos con canciones como “Quien Mató a Marilyn”, “Sexo” y “Mentalidad Televisa” sonaban por algunos sectores y radio emisoras bien especificas, mientras que los cassettes  se distribuían en liceos y universidades casi de manera un tanto ilícita, eran nombre típico en tocatas juveniles junto a otros  como Aparato Raro y La Banda del 69, este factor es trascendental ya que no podemos olvidar que surgieron dentro de un contexto y no como un grupo que saltó directo a cantar en contra de las injusticias sociales como muchos creen.

En la cima del éxito: Los Prisioneros

Tras ya el éxito y la edición de su primer disco “La Voz de Los Ochenta”, el trío comenzó a llamar la atención, sobretodo porque se trataba ni más ni menos, que de adolescentes que con una tremenda inocencia y ternura cantaban en base a las vivencias de la realidad de una coartada juventud, sumándole a que eran unos tiernos muchachos de clase media baja que con muchísima actitud se imponían en la difícil escena artística, fue quizás este mismo factor el que hizo que el medio y los medios los discriminaran brutalmente a la hora de las promociones y enviándolos a tocar ni más ni menos que a programas como Patio Plum y Éxito.

Siempre tuvieron actitud y nunca fueron una banda violenta o agresiva, más bien siempre se mostraron amables, pero frontales, más tarde Jorge González afilaría la lengua que tan famoso lo ha hecho, pero para ese entonces no fue así, el bagaje mediático y la maduración que tuvieron con “La Voz De Los Ochenta” hizo que lanzaran el mítico “Pateando Piedras” que incluiría letras muchísimos más directas, como por ejemplo los inolvidables “Por Qué No Se Van”, “Exijo Ser Un Héroe”, “Por Qué Los Ricos”, “Quieren Dinero” e “Independencia Cultural”

Rítmicamente preservaron su raíz rockera, pero incluyeron tendencias más de aquel entonces como la presencia de sintetizadores en varios singles, muestras de ello,  el himno que da titulo al disco “Pateando Piedras” (más tarde se cambiaría el titulo a  “El Baile De Los Que Sobran”) o “Muevan Las Industrias” dos temas que hablaban directamente de la contingencia social de ese momento.

Imagen promocional del disco

Dos tracks interesantes en cuanto a ritmos, fueron los oscuros “Una Mujer Que No Llame La Atención” y “Por Favor” que más tarde profundizarían en “La Cultura De La Basura”

Curiosamente la promoción de este álbum podría decirse que fue “viral” ya que tuvo escasos videoclips y casi toda la difusión fue en presentaciones en vivo, muy marcadas por las protestas y el severo régimen militar, sin embargo tuvo la suficiente fuerza para sacarlos del país en una gira que los llevaría en marzo de 1987 al Festival Chateau Rock de Córdoba y posteriormente en el Estadio Obras de Buenos Aires y más tarde al Festival Internacional de Montevideo Rock donde compartieron escenario con Soda Stereo, Fito Paéz, GIT, Sumo y los compatriotas Valija Diplomática

Pateando Piedras” vendió cinco mil copias en los primeros diez días —un récord jamás alcanzado por un grupo musical juvenil de Chile— y  lograron disco de platino con veinte mil copias vendidas. En noviembre de 1986 hacen el lanzamiento oficial del disco en dos presentaciones en el Estadio Chile con la asistencia de más de 11 mil personas. El grupo rompió otro récord al llenar dos veces consecutivas el Estadio Chile.

El resto ya es historia conocida, pero siento que vale la pena recordar que Los Prisioneros, no siempre fueron una banda de polémicas y violencias verbales, más bien una atrevida apuesta de tres jóvenes que luchaban como tantos otros por tener una voz, ellos fueron la de una generación.

Leonardo De La Cerda para WATP

La trayectoria de Dead Or Alive es larga, en sus inicios como exponentes del new wave y más tarde como amos de las pistas de baile. Durante la década de los ochenta, su polémico líder Pete Burns, pasó de estrafalarios atuendos al transformismo hasta terminar siendo literalmente una mujer (quizás siempre lo fue), de su etapa  famosa, se destaca el que es quizás su disco más maduro y el que le permitió sobrevivir en la historia de la música, bendecido por la producción de los legendarios Stock, Aitken and Waterman: Mad, Bad and Dangerous To Know, un disco que ud, debe escuchar.

 

Con un sugerente titulo, portada y pegajosos singles, Dead Or Alive lanza su tercera producción discográfica y  clave, ya que sería el predecesor del éxito mundial You Spin Me Arround perteneciente a Youtkquake de 1983. El disco contaría con la producción de Stock, Aitken and Waterman, famosos ya que  habían hecho danzar al mundo tras las voces de nombres como Samantha Fox, Rick Astley y Donna Summer entre otros.

Muchos atribuyen a que Dead Or Alive, fue una respuesta de la industria norteamericana para el tremendo éxito que obtuvieron los ingleses Culture Club, de hecho el también inglés Pete Burns, fue el único en hacer contraparte en talento y polémica a George, dejando en el pasado a otros exponentes del unisex como Adam Ant y Marylin.

Dead or Alive: Mad, Bad And Dangerous to Know

Mientras Culture Club se disolvía tras el escándalo amoroso de Boy George y Jon Moss, Burns fue más estratégico y en vez de conquistar el pop, se tomo las pistas de baile con osadas puestas en escena y un impactante look femenino en oposición a su masculina voz. Aunque si bien, sus dos placas anteriores recordaban a los sonidos impuestos por Culture Club, el cambio no se haría esperar.

Brand New Lover sería el single debut, un vídeo simple, pero que dejaba lucir la primera (de muchas) cirugía a la cual se sometería su vocalista y donde su look andrógino prevalece al lado de sus machos compañeros, causaría sensación entre la fanaticada de la banda y se dispararía a los primeros lugares del dance de 1986.

El éxito del single logró que la banda fuese cobrando cada vez más fuerza y que la prensa indagara en la vida de sus integrantes, encontrándose con sorpresas que aumentarían su popularidad, por ejemplo, pese a ser considerados una banda gay, cual sería la sorpresa del mundo cuando se enteraron de que Peter Burns había estado casado por 17 años y que se consideraba bisexual, bajo esta llamarada, un segundo y aun más provocativo single comenzaría a sonar  Something In My House, tema que es hasta la actualidad uno de los más famosos del cuarteto, el vídeo  mostraría imágenes tremendamente insinuantes para la época y un tanto groseras por parte de Burns.

El impactante look de Peter Burns, líder de Dead Or Alive

Sin lugar a dudas a estas alturas la  banda era un icono y la comunidad homosexual los idolatraba, bajo este alero, un tercer single vería la luz:  I´ll Save You All My Kisses, su videoclip sería netamente en un corte gay, leña para la locura de sus fans, este estrellato los llevaría de visita  por varios países, en Japón donde eran verdaderamente ovacionados, se grabarián varias presentaciones de las que más tarde se extraería el famoso recital Rip It Up (1987) que posteriormente sería llevado al disco homónimo (1988), durante la gira  saldría a la luz el cuarto single titulado Hooked on Love, sin embargo otros aciertos del álbum alcanzaron popularidad pese a nunca fueron promocionados comercialmente, es el caso de You Are My Special Star.

Mad, Bad And Dangerous To Know, es un disco totalmente bailable, una buena recomendación a la hora de buscar alternativas a la hora de  bailar, pero si quiere recrear la vista y volver aun más pegajosa la experiencia, lo invito a que los escuche acompañados de sus videos que, a pesar de los años y de toda el agua que ha pasado bajo el puente, no dejan de sorprender. Inténtelo, no se arrepentirá.

Leonardo De La Cerda para WATP

James Taylor comenzó como un talentoso y guapo cantautor que, con románticas letras, cautivaba los corazones de las jóvenes hippies de principio de los años setenta, pero a pesar de los suspiros de sus fans, la conservadora critica americana lo miraba con recelo, ni sus constantes colaboraciones con Carole King y Joni Mitchell, ni su matrimonio con Carly Simon ayuda, 1977 sería el año en que las cosas cambiarían drásticamente.

 

Curiosamente la carrera de James Taylor es contradictoria, ha ganado cinco veces el Grammy y uno de sus álbumes figura como uno de los 500 mejores de la historia, fue la primera voz grabada por el sello de los Beatles “Apple” y el primer gran nombre en la ola de cantautores de los años 70.

Sus colaboraciones con Carole King y Joni Mitchell eran bien criticadas, también su calidad como guitarrista, sin embargo, la critica purista no miraba con buenos ojos a los jóvenes de pelo largo de antaño y a Taylor le costó gran trabajo tener una credibilidad mediática considerable, factor que para cualquier músico de las tierras del norte es fundamental.

Con ya siete discos a su haber y de ser parte de la escena de músicos “cabezones” de los años setenta, en 1977, James Taylor presenta su octava producción titulada JT, de corte elegante, simple y con una hermosa foto retrato del artista.

El disco hacia merito a su caratula, melodiosas canciones, grandes instrumentalizaciones y hermosas baladas en guitarra serían las que harían este disco subir a los cielos.

La famosa caratula de JT, lanzado en 1977

El primer sencillo “Your Smiling Face” es una canción simplemente hermosa, de esas para llegar y escuchar en esas solitarias veladas bajo la lluvia.

Terra Nova, es una interesante apuesta que lleva en sus letras citas históricas bastante peculiares, además de la participación de su cónyuge Carly Simon.

El punto más alto del disco “Handy Man” sumado al registro vocal y a la facha del interprete, hace entender fácilmente el por qué ha hecho suspirar a mujeres por décadas.

“If I Keep My Heart Out of Sight” es el sencillo que cierra el disco, desgraciadamente no fue lanzado como single, pero es una de aquellas canciones que hace que se te paren los pelos.

El resto del álbum incluye algunos hits country pop, tendencia que Taylor nunca abandonó, “Bartender’s Blues” es un buen ejemplo de esto.

Con respecto a la critica, por supuesto que cambió drásticamente de opinión con respecto al trabajo pasado del cantante y aplaudió la nueva entrega, desde entonces no se desmerece el trabajo de Taylor, que con hechos, hasta la actualidad deja huella, no solo abrió el camino a cantantes de guitarra de palo hasta los días de hoy, sino que también una tendencia en las voces masculinas. Su última recopilación de éxitos vendió más de 12 millones de copias en el mundo entero.

 

Leonardo De La Cerda para WATP

Como olvidar las melodiosas canciones que, sin lugar a dudas, marcaron una generación. Tras una larga trayectoria en la escena nacional durante los 80, sería 1995 el año que vería a Javiera Parra subir al tope de la listas y de paso la transformaría junto a su banda en uno de los emblemas de la década de los 90.

El proyecto de corte en tramite nace en 1993 para Javiera Parra, quien llevaba bastantes años participando en diversos proyectos musicales y con una carrera solista un tanto truncada por el régimen militar de la época.  Sería en 1994 que  vería luces para este proyecto cuando Álvaro Henríquez (Los Tres), participaría con ella en la composición y  producción del álbum debut junto a su nueva banda: Los Imposibles.

En plena epoca de oro: Los Imposibles

Haciendo alusión a la clásica serie de dibujos animados de los años sesenta y con una suerte de ironía por la copada agenda de los integrantes de la banda, Los Imposibles eran ni más ni menos que los músicos más cotizados del entonces:  los hermanos Bosco, Juan Pablo y Francisco, Roberto Lindl, Cuti Aste y el mismo Henríquez.

Para 1995 en Chile se respiraban nuevos aires,  el estado estaba invirtiendo importantes recursos en cultura y diversas manifestaciones se estaban haciendo ver en diferentes sectores sociales,  el ambiente tenía un aire ecléctico y los años setenta se imponían fuertemente en la moda del entonces, de tal manera que con patas de elefante y muchos colores, se estreno el primer single del disco “Te amo tanto”, una alegre melodía, manifesto de un amor post mortem, contaría con un  video que sería tan retro y humorístico como la letra de la canción. Obviamente, se dispararía al número uno.

Aprovechando la movida nacionalista y la fuerte plataforma de medios multimedia como rock & pop (revista, tv y radio), además del apoyo total de radioemisoras de la época, el single sonaba en todos lados y sería uno de las primeras agrupaciones de la época de oro de la música nacional.

“Autopsia”, el segundo single, continuaría con el mismo humor y ritmos setenteros, dándole continuidad al ya exitoso disco. El siguiente single, sería otra excelente jugada y homenaje a la incomparable Cecilia, “Compromiso”, el tema volaría a los primeros lugares de los rankings locales, más tarde llegaría el broche de oro de este emblemático disco, una incomparable e inolvidable balada: “Humedad”, canción que hace alusión a la melancolía y a la nostalgia, actualmente es uno de los temas más recordados de la cantante.

Popular fue la portada que mostraba a Javiera en una tina de baño, obra del entonces fotografo, Jordi Castell

A pesar de que todos los singles de Corte En Tramite fueron un éxito, muchos de los temas incluidos en el disco, serían populares, aun cuando no circularían en las radios, es el caso de Corte En Tramite, Me Voy y la Ventana Verde.

Quince años más tarde, sigue siendo un popular disco y un icono de la década de los noventa, sus canciones son verdaderos himnos populares que terminaron cantándose en fogatas, juntas y toda clase de reuniones sociales. Sin duda, un disco que vale la pena escuchar y recordar.

Leonardo De La Cerda para WATP

Fue a principios de los años 70 que Leo Sayer saltó a la fama con un memorable disco y con un traje al estilo Pierrot, más tarde conquistó al mundo entonando hermosas baladas y  en 1978 lanza el disco que lo llevaría al tope de las listas y lo transformaría en uno de los cantantes masculinos más importantes de su década

 

Endless Flight fue el nombre de la cuarta producción del inglés Leo Sayer, curiosamente fue producida por Vini Poncia, quien había alcanzado reconocimiento con sus participaciones en el hard rock, la más reconocida: Kiss.  En medio de un escenario donde el disco y el rock dominaban las listas, Leo Sayer se empinaba como uno de los favoritos dentro de los interpretes solistas de la década, siendo junto a Billy Joel y Elton John, uno de los solistas más importantes del momento.

Hasta aquel entonces, Sayer había ganado notoriedad por sus romanticonas baladas, pero para el lanzamiento de Endeless Flight, el cantante daría un giro a su estilo tradicional. De corte pop y con un estilo que coquetea con el disco, a modo de parodia, You Make Me Feel Like Dancing, se empinaría como uno de los hits más grande de ese año, superando inclusive a nombres como Abba y Bee Gees.

Sus ritmos funk y con el clásico falsete de Sayer, la canción alcanzaría el  número uno en varios países del mundo y es hasta la actualidad una de las canciones emblemas de la época, recordada sería la versión que Leo Sayer interpretaría en su participación en The Muppet Show, donde fue a promocionar el disco.

Mientras estaba la fiebre del “Dancing”, sale a la luz el segundo single “ When I Need You”, compuesta por Albert Hammond y que sería un segundo gran golpe que mantendría al cantante en los primeros lugares, tal fue el éxito de esta balada, que Albert Hammond decidió grabarla en uno de sus propios discos y hacer una versión en español titulada “ Si me amaras”.

Aprovechando el humor que el cantante solía poner a sus presentaciones, se pensó en una fotografía graciosa para la portada del disco, finalmente se usó una donde el cantante intentaba un “Vuelo”, haciendo alusión al tema central “Endless Flight” (Vuelo Sin Fin), a pesar de que ese titulo fue un single menor, tuvo bastante rotación radial, sin embargo y opacado por el éxito de sus antecesores, no se promociono con la misma fuerza.

“How Much Love”,  fue el tercer sencillo, donde nuevamente se intenta acercar al cantante a ritmos más bailables, otro éxito que llegó al número 10 de las listas Billboards en USA, Canada y UK.

Otros grandes temas del álbum incluyen “Magdalena” (un hit), “Reflections” y “Hold On To My Love”, canciones muy recomendables, “Endless Flight” terminó ganando el Grammy al mejor disco de R&B en 1978

Simplemente un disco que te deja con una sonrisa al terminar de escucharlo, muy recomendable.

 

Leonardo De La Cerda para WATP

Uno de los más grandes compositores britanicos de los últimos años, Joe Jackson  es un sobreviviente y un visionario que ha sabido reinventar su carrera tanto en el mundo discográfico como en la musicalización de importantes films de Hollywood, sin embargo, con su quinto álbum titulado”Night And Day” con que logró quedar archivado en la historia de la música mundial.

 

Lanzado en Junio de 1982, Night And Day es la quinta producción de la discografía de Joe Jackson, si bien sus primeros álbumes fueron verdaderos aciertos, con lo que logró cautivar a la critica internacional con una elegante y atrevida mezcla de punk y swing, convirtiéndose junto a Elvis Costello en uno de los emblemas del New Wave de principios de los 80s

Inspirado en New York y en una suerte de homenaje a Cole Porter, “Night And Day” es una de las obras magistrales de su época, en la edición en vinilo, los sides fueron denominados Night  y Day, con tres exitosos singles, Jackson logró entrar a la era MTV con los sencillos Steppin´Out, Breaking Us In Two y Real Men, logrando dispararse al número 5 de los rankings internacionales, en Gran Betaña y Estados Unidos, esta sería la máxima posición a la cual llegaría el disco.

Steppin’ Out, el single central de “Night & Day” es uno de los 10 mejores videos de la historia.

Real Man fue el primer single en lanzarse, el cual se transformaría en un himno de la cultura gay neoyorkina de principios de los años 80,  impulsó a que la producción ganase  disco de oro con solo un sencillo al aire, la compañía de Jackson A&M, impulsaría considerablemente la promoción del álbum.

El punto más alto sería claramente Steppin´Out, que se convertiría el un hit, siendo nominado al Grammy como Canción Del Año y Mejor Interprete Masculino. Además fue promocionado con un inolvidable videoclip que es hasta la actualidad uno de los 10 mejores de la historia.

Breaking Us In Two, el siguiente sencillo, sería el broche de oro. La balada llegaría al número 20 de los rankings internacionales y  Joe Jackson terminaría la promoción del álbum con una extensa gira durante 1983

Más allá de los sencillos que fueron mundialmente conocidos, el disco tiene grandes sorpresas, la sesión musical se abre con “Another World ” que perfectamente pudo haber sido un cuarto hit radial, otro gran tema  es “TV Age”, mientras que unas incursiones en elementos del swing y latinos podemos encontrar en singles como “Target ” y “Cancer.”

Tras la gira de 1983, Joe Jackson sacaría dos discos de estudio con bastante éxito comercial, más tarde sería el compositor de la música de varios films de la época como por ejemplo Mike´s Murder y Tucker. En la actualidad Jackson reside en Berlin y sigue siendo cotizado para la composición de películas, en cuanto a sus producciones discográficas se inclinan por un eclecticismo que mezcla el pop, el rock y el jazz.

Leonardo De La Cerda para WATP

Cuando  muchos estarán pensando que tiene de escuchable un disco como este, estoy seguro que más allá del alma rockera que todos decimos tener, hay un precedente importante, estos chicos marcaron una generación y puedo anticipar que la gran mayoría de los lectores de este blog se quedará pegado hasta, por lo menos, el primer estribillo del link referencial de esta nota.

 

Para quienes crecimos en la época de los estereotipos, el nombre de los New Kids On The Block es una referencia obligada. Aunque cueste creerlo, la influencia más importante de este grupo    fue The Jacksons Five, de hecho, desde la salida oficial de Michael Jackson en 1984, no había existido una banda de adolescentes que liderara los rankings internacionales, Maurice Starr un conocido productor musical, había hecho el intento de recapturar la magia de los Jacksons con los fracasados New Edition,  pero decidió llevar el formato “hermanos” a la música blanca.

Cinco adolescentes de Boston serían los ingredientes para esta formula perfecta: El rudo (Donnie Wahlberg), el sexy ( Jordan Night ),el tímido (John Night), el atlético (Danny Wood) y el niño (John Mctyre). Un debut mesurado con su disco homónimo en 1986, sería la vitrina suficiente para que los adolescentes de la epoca empezaran a fijarse en los cinco muchacitos y les daría el tiempo suficiente para estar un poco más crecidos para el lanzamiento del siguiente álbum.

En la cima del éxito, los cinco chicos q hicieron suspirar al mundo entero

1987 daría a luz Hangin´ Tough que presentaba un compendio de hits listo para la radio, los jóvenes  ya estaban lo suficientemente grandes como para ser hiper sexualizados mediáticamente con sugerentes videos, letras cliché y estudiadas coreografías.

La receta dio resultado y boom, la banda se transformó en un fenómeno. Aunque  el primer sencillo Please Don’t Go Girl, una balada liderada por Joey, tardo en alcanzar fama llegó al  número 10 del Billboard’s Hot 100 Singles y sería el primer éxito del grupo.

El track oficial, Hangin’ Tough, fue lanzado en septiembre de 1988 mientras estaban de gira promocional como teloneros en los conciertos de Tiffany, la vitrina era importante y  las ventas de Hangin’ Tough iban creciendo, más tarde el  sencillo You Got It (The Right Stuff) se lanzó cuando la banda ya tenia una notoriedad considerable, la canción obtuvo una enorme promoción en MTV  que empezó a transmitir los videos de la banda y a propagar el furor.

La balada y siguiente single, I’ll Be Loving You (Forever) llegó al  número 1 en la lista Billboard y el éxito de la banda fue tal que causó un revés haciendo que  Tiffany  terminara de telonera en  el concierto de los chicos. Otros éxitos le siguieron, incluyendo: Hangin’ Tough y Cover Girl.

New Kids On the Block: Hangin´ Tough (1987)

Rítmicamente las influencias de la música negra serian notorias y se harian cada vez más evidentes a lo largo de su carrera, Hangin’ Tough como álbum llegó al  número 1 del Billboard  siendo uno de los 200 álbumes más vendidos, tuvo ocho discos de platino, y se convirtieron en los primeros artistas juveniles en lograr cuatro éxitos top 10 en un mismo álbum.

Aunque en su momento fueron tremendamente criticados y subvalorados al ser considerados un producto comercial, su influencia en la música pop de finales de los 80 y principios de los 90 es innegable, sin embargo fue esta, su segunda producción la que más trascendencia tiene en toda su discografía, sin duda un disco que al menos vale la pena escuchar una vez. Cuénteme como le va.

Leonardo De La Cerda para We Are The People

Hace un par de días, una de las voces más importantes e influyentes de las últimas décadas, Donna Summer nos dejó.  Apodada la reina del disco, su legado en la música bailable es rotundo, si bien el disco fue una corriente tremendamente subvalorada, Summer rompió los convencionalismos y demostró que en la pista de baile también se puede crear, en el apogeo de su carrera lanza el álbum en vivo “Live & More”, uno de los inigualable registro en vivo  y se encuentra entre los mejores discos en vivo de la historia.

 

Corre 1978 y Donna Summer , la reina del disco, lidera las listas de música bailable en varios países del mundo, la lista de éxitos en larga “Love To Love You Baby”, “Once Upon a Time”, “Could It Be Magic”, “ I Feel Love” entre otras, es cotizada para especiales de TV y conciertos en varios países, además de una participación en “Music For Unicef” junto a otros importantes nombres de la década.

En medio de la polémica de los puristas del rock frente al disco, Donna decide lanzar su sexta producción y la primera en vivo, también sería la segunda vez en que saca un disco en edición doble, la cual fue grabada en el Universal Amphitheatre de Los Ángeles durante el show la gala del tour Once Upon a Time.

Agosto sería el mes en que Casablanca records lanzará finalmente el esperado disco, durante el concierto Summer interpretó un gran parte de sus éxitos, asi como varios singles del disco que daba origen a la gira, además de atreverse a jugar con ritmos como el jazz, una versión del clásico de Barbra Streisand “The Way We Were” y dos sencillos especialmente grabados para el disco “Mimi´s Song”, dedicada a su hija y “Only One Man”.

Live And More se convirtio en el primer registro en vivo del disco. Donna Summer fue toda una pionera

Live And More se convirtio en el primer registro en vivo del disco. Donna Summer fue toda una pionera


El concierto sirvió para promocionar “Last Dance” famosa canción se incluyó en la banda sonora de la película ¡Por fin es Viernes!, en la que Summer  era protagonista y que también marco un precedente al ser la primera canción disco en partir como una balada, formato que repetiría en varios singles posteriores.

El LP contenía una sorpresa más  “MacArthur Park Suite”,  medley de cuatro canciones, incluyendo la canción principal “MacArthur Park

Live and More se convirtió en el primer álbum doble de Summer en alcazar el #1 en los Estados Unidos, y más tarde fue certificado doble platino por la RIAA.

 

Más alla del disco, Donna Summer en colaboración con su productor Giorgio Mororder, se transformaron en los padres de la escena bailable, siendo creadores por ejemplo, del formato 12 pulgadas, en donde Summer es pionera y se mantiene hasta la actualidad, de sus canciones se desprendieron las mezclas y remezclas de singles, si bien otros artistas de diversas corrientes incursionaron en el disco, que además tuvo grandes exponentes que recordamos hasta la actualidad, fue Summer quien sin lugar a dudas marco la pauta a seguir en formatos y tendencias ritmicas, legado que perdurará eternamente en la pista de baile.

Leonardo De La Cerda para WATP

 

Cuando en los 80 se estilaban las vistosas telas brillantes, el excesivo glamour y grandes peinados sustentados por la laca, de pronto aparece una dulce y pequeña joven, como si se hubiera transportado en el tiempo, con flores en el pelo cautivó al mundo con sus dulces melodías, Edie Brickell & The New Bohemias eran unos muy raros neo hippies para la época, pero que venían a cautivar al mundo simplemente “Tirando gomitas a las estrellas”.

Oriunda de Texas, Edie Brickell saltó a la fama a finales de los años 80, cuando ya la década estaba totalmente saturada por los excesos y el glam que lo caracterizaron. Guitarra en mano, una dulce voz y bellas canciones serian suficientes para  Brickell, quien recordaba esas simples melodías hippies que quedaron totalmente olvidadas, su  disco debut, el que inocentemente titulo Tirando Gomitas A Las Estrellas, fue totalmente aclamado por la dura critica estadounidense, y el sencillo promocional What  I  Am fue un éxito comercial.

Junto a los New Bohemians, le dan al disco ese toque de folk, ideal para disfrutar en esas tardes de invierno en que la música y una buena taza de café son la mejor compañía. Love Like We Do, sería la siguiente apuesta , aunque un poco más alternativa, conserva la esencia del single anterior.

Siguiendo el tracklist del disco nos encontramos en un viaje de rítmicas  y pegajosas canciones que nos van demostrando también la versatilidad de Edie, títulos como Keep Coming Back y Beat the Time, son verdaderos aciertos, secretos actualmente ya que nunca fueron lanzado como singles, las baladas tuvieron más suerte en ese ámbito, por supuesto la inolvidable Circle cobra total protagonismo, mientras que otras Air Of December y el single escondido I Do nos presentan una buena dosis de guitarras y estudiadas percusiones, que hacen de cada canción un deleite.

 

Otro single del álbum Little Miss S también cautivaría a la crítica y sería la última pieza para que el disco obtuviera el doble disco de platino en las tierras del norte. Gracias al éxito de esta producción Edie Brickell participaría en la película Nacido el 4 de Julio, donde tendría una pequeña aparición como una cantante hippie entonando  It´s Hard Rain Gonna Fall , desgraciadamente no se incluyó en este disco, solo en el soundtrack.

Canciones amables y hermosos arreglos musicales en los 12 tracks que contiene el disco que no busca mayores pretensiones, más que entregar buena música, quizás esa fue la razón de su éxito.

 Leonardo De La Cerda para  We Are The People

 

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